Carl Philipp Emanuel Bach, Magnificat ( Wq 215, H.772)

The Magnificat by Carl Philipp Emanuel Bach ( Wq 215, H.772) was composed in 1749. 

I conducted this piece in 2004 with my philarmonic orchestra and our amatorial choir. The work wasn't simple, but I think we have achieved a good result. From what you can hear, I love to conduct it fast! ;)

Organico:
Voices: solo and choir: soprano , alto , tenor , bass

Instruments: Flauto traverso I / II, Oboe , Horn I / II, Strings, Basso continuo

History:

The Magnificat is the earliest surviving vocal work of Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788). In June 1749, still during the lifetime of Johann Sebastian Bach, the City Council of Leipzig was trying a possible successor to the critically ill  Kantor. Bach put his two talented sons Wilhelm Friedemann and Carl Philipp Emanuel close, also to seek to follow him. While Carl Philipp Emanuel set to music the Magnificat, Wilhelm Friedemann wrote an Advent cantata. But neither of the two sons had success, finally Johann Gottlob Harrer was given the post of cantor of St. Thomas.

Carl Philipp Emanuel's composition represents a modern style, the direct comparison with the style of the father . In Hamburg Bach changed the instrumentation and added trumpets and timpani in the outer movements and the "Fecit potentiam" . The original version was known throughout Europe in numerous copies.

On April 9, 1786 Carl Philipp Emanuel Bach in Hamburg conducted a charity concert. The program included three of his most representative works: the Symphony in D major, Wq 183/1 of 1780, the Magnificat and the Cantata Christmas of 1776 for double choir. 

Elgar's Introduction and Allegro for Strings, Op. 47

The Elgar's Instroduction and Allegro for strings is one of the most interesting piece of this english composer. I had the opportunity to conduct in 2004 with my chamber orchestra "Euterpe", enlarged for the occasion with other musicians. This is the live recording posted on my Youtube channel: 

This piece was composed in 1905, played by the London Symphony Orchestra and dedicated on Samuel Sanford, an american pianist and educator who brought Elgar's music to american attention. 

Structure

The piece opens with a tutti descending fanfare, which segues into a major-key moderato section, interspersed by an Allegretto e poco stringendo section consisting of two measures in length. Foreshadowing into a slow, lyrical theme played by the solo viola, Elgar cascades between solo voice and orchestra by use of echo. Elgar writes that this theme is a quotation of a song sung by a distant voice that he had heard during a holiday in Wales.^[3] An expressive, romantic section leads into a recapitulation of the opening fanfare and Welsh theme, ending the Introduction and transitioning jovially into the Allegro.

The Allegro begins with a theme in G major built around a quarter-eighth-eighth note motif. 21 measures of nonstop sixteenth-notes build from piano to a powerful forte as the piece arrives at a hemiola-infused G major restatement of the Introduction's opening fanfare. Instead of a development section as would be expected in traditional sonata form, a new theme is introduced, a vigorous fugue in which the piece returns to the opening key of G minor. In a letter to his good friend A. J. Jaeger ("Nimrod" of the Enigma Variations), Elgar referred to this section as a "devil of a fugue." After the fugue concludes, the piece's themes are all recapitulated in G major, initially begun by a unison orchestra before dividing across echo between orchestra and solo quartet. With the Welsh theme repeating a succession of three times before striking a momentous ƒƒƒ, on which the orchestra is in unison again (see Polyphony), it is this time echoed by the solo quartet, a change from the rest of the piece. The Welsh theme appears in all its splendour in a triumphant coda for the fifth and final time, before ending with a ternary perfect cadence followed by a pizzicato G major chord.

Silence and dark before the lights turn on in the auditorium.

The heart plays an entire symphony that the brain tries to silence. Sensations that has the privilege of experiencing only an artist! 

Leopold Stokowski, or the freedom to interpret...

"A painter paints his pictures on canvas. But musicians paint their pictures on silence."
                                                                                                                              Leopold Stokowski


How would have wrote his music Johann Sebastian Bach, if he was born in the nineteenth century and had to compose for a great symphony orchestra? This is what they ask themselves many composers and musicians from a hundred years or so. One of these was the great conductor Leopold Stokowski who transcribed many works of the great German composer for symphony orchestra.

But the decidedly romantic interpretation of this transcriptions,  sparked some purist critics who spoke of sacrilege. And today? With the rivers of ink have been poured on how it should be interpret the baroque music, especially Bach, performances like those of the great Leopold would perhaps unimaginable in our area.

The interpretation of the music of the seventeenth and eighteenth century has faced in recent years a progressive crystallization. Everywhere in Italy and in Europe have arisen chairs of baroque instruments and many manuals have been written with strict rules for the interpretation of baroque music. This subtracts more and more freedom to the musicians, who should have the right to be as close as possible to that which was the way to perform this music at the time, both totally reinterpret it, molding  in according to his own time and culture, giving new life to the music!

We also forget that the Baroque was the era of fantasy, of the excess of improvisation, of the performer liberty. So, they are welcome detailed studies on baroque performance practice (but I remember that, having no records, it is impossible to reconstruct exactly the ancient way of playing), and also increase the philological performances with original instruments. But avoid to pontificate on what you can do and what not, saying that experimentation about new ways of interpreting a composer is a product of populist subculture, as if the musicians has become a mere executor of ideas imposed by other.

The Music is alive. Music is life and like life, cannot be reined in patterns and codicils.

Through Leopold Stokowski’s fascinating and persuasive orchestrations, contemporaries people may find the curiosity to approach also the “original” Bach.

But this is just my opinion…

L.F.

Leopold Stokowski, ovvero la libertà di interpretare...

Come avrebbe scritto la sua musica Johann Sebastian Bach se fosse nato nell’Ottocento ed avesse avuto a disposizione una grande orchestra sinfonica? Questo è ciò che si chiedono molti compositori da un centinaio di anni a questa parte. Uno di questi fu il grande direttore d’orchestra e compositore Leopold Stokowski il quale approntò diverse trascrizioni per orchestra sinfonica di molte opere del grande compositore tedesco.

L’interpretazione decisamente romantica che questo direttore diede alle  sue trascrizioni ( in alcuni casi, gli originali bachiani possono risultare eccessivamente appesantiti), scatenarono alcuni critici puristi che gridarono al sacrilegio.

Ed oggi? Con i fiumi d’inchiostro che si sono versati sul modo in cui si deve interpretare la musica barocca ed in particolare Bach, esecuzioni come quelle del grande Leopold sarebbero forse impensabili dalle nostre parti.

L’interpretazione della musica del ‘600 - '700 è andata incontro, in questi ultimi anni, ad una progressiva cristallizzazione. Ovunque in Italia e all’estero sono sorte cattedre di strumento barocco, dove viene insegnata quella che DEVE essere l’interpretazione da dare a questi brani. Sottraendo sempre più libertà al musicista, che dovrebbe avere sempre il diritto sia di avvicinarsi il più possibile a quello che era il modo di eseguire tale musica all'epoca, sia di reinterpretarla completamente, plasmandola in base al suo tempo ed alla sua cultura, facendola vibrare di una nuova linfa!

Ci si dimentica inoltre che il barocco era l’epoca della fantasia, degli eccessi, dei virtuosismi improvvisati, della libertà dell’esecutore all’interno della regola, della sperimentazione.  Quindi, ben vengano studi approfonditi sulla prassi esecutiva dell’epoca barocca, ben vengano insegnanti che ci comunicano come si pensa si suonasse all’epoca (e dico si pensa perché, non avendo registrazioni, è impossibile ricostruire l’esatto antico modo di suonare, come pretende di fare qualcuno) e aumentino pure le esecuzioni filologiche con strumenti antichi. Ma si eviti di pontificare su cosa si può fare e cosa no, bollando le sperimentazioni o nuovi modi di interpretare un compositore come prodotti di sottocultura di stampo populista, proponendo in maniera dogmatica questa o quella norma esecutiva, quasi che il musicista sia divenuto un mero esecutore di idee imposte da altri e che ciò che lo differenzia da un altro musicista si debba limitare esclusivamente al proprio bagaglio tecnico e non alla propria capacità interpretativa.

La Musica è viva ed è vita e come la vita non può essere imbrigliata all’interno di schemi e codicilli. Ben vengano quindi anche trascrizioni come quelle di Leopold Stokowski, che vi allego in questo post, trascrizioni decisamente affascinanti, molto più vicine al modo di “sentire” dei nostri contemporanei, soprattutto di quelli che sono totalmente a digiuno di musica classica, e che grazie alla mediazione di queste trascrizioni  possono trovare la curiosità per  avvicinarsi al Bach “originale”.

Ma ovviamente questo è solo un mio pensiero… 

A new italian orchestra, against Camorra and crime!

Dear friends,

      In this last days I’m preparing my last concert with my new orchestra: the “Orchestra della Compagnia degli Artisti di Ottocento Napoletano” in Portici (Naples, Italy). With our 26 musicians we are becoming one of the most important cultural realities of our region!

Our headquarters is located in the prestigious building of the Marchioness of Cesaro Pennese, now propriety of Archbishopric of Naples.

We hold our concert “intra moenia” in the chapel of the palace. We are going to perform our sixth concert and we are followed by an increasingly large and enthusiastic audience.

Our Orchestra is not one of those artistic conglomerates, destined to disappear miserably, that occasionally arise in Italy in correspondence  of the rare donations of public money intended for the music. We aren’t a musical group that has as its sole target the subsistence of its members. We are much more than that…

The Compagnia degli Artisti and his Orchestra are heralds of a great project called “Ottocento Napoletano”.

This project aims to create a real renaissance of Naples and Southern Italy, through the promotion of our culture, our history and our traditions. And by culture we mean  not only the field of fine arts, but also our artistic handicraft and our great culinary traditions.

“Beauty will save the world” said Dostoevskij. Us, through the beauty of arts, want to awaken the conscience.

We want to demonstrate that in our region it’s possible to build and live an alternative to social, moral and institutional degradation, which now has reached an endemic state in our land.

Pursuing this project, we have the opportunity to fight the Camorra and crime, that derives strength from ignorance of the people,  by stagnation of the status quo and from the image of our land as a place where people, especially younger, are precluded any hope of social and moral emancipation, because nothing will change.

Besides to the diffusion of culture, we are planning, always with our self financing, the future opening of a music school and other initiative s that will give the opportunity to children at risk of finding an opportunity in the art, removing them from the hands of criminals.

Follow our initiative on twitter, facebook and on our blog:
http://compagniadegliartisti.blogspot.it/ 
See you soon and good music at all!!!

 Leopoldo Fontanarosa

Conferenza su N.Zingarelli all'Osservatorio Vesuviano

Il 22 aprile ho tenuto una conferenza su uno dei più grandi compositori della scuola napoletana: Nicola Antonio Zingarelli, nato a Napoli nel 1752 e morto a Torre del Greco nel 1837. 

La conferenza, dal titolo "Nicolò Zingarelli: il compositore che sfidò Napoleone"  è stata organizzata dall' Archeoclub d'Italia presso lo stupendo museo dell'Osservatorio Vesuviano. Allego qui un pò di materiale sull'evento e sul compositore, per farvi conoscere questa grande figura di uomo e musicista.

Prima però voglio ringraziare di cuore la dott. Michela Tappeto e la prof.ssa Marika Galloro dell'Archoclub per avermi dato la possibilità di parlare di questo grande musicista e per aver preparato con cura e professionalità l'evento. Ringrazio il dott. Marcello Martini, direttore dell'Osservatorio Vesuviano per l'amicizia e la cortese ospitalità in quel luogo magico ed i miei allievi, Brunella Gaglione e Davide Maiello per aver eseguito con cura, in prima assoluta, alcuni duetti inediti dello stesso Zingarelli. Infine ringrazio gli alunni del Liceo Classico di Castellammare di Stabia per aver partecipato numerosi all'evento. 

L'annuncio dell' evento:


In occasione della XIV settimana della cultura, promossa dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali nel periodo 14/22 aprile 2012, Archeoclub d’Italia, sede di Torre del Greco, organizza l’evento “Nicolò Zingarelli: il compositore che sfidò Napoleone”, una conferenza-concerto sul celebre musicista partenopeo, morto a Torre del Greco il 5 maggio nel 1837. L’evento si svolgerà presso il Museo dell’Osservatorio Vesuviano (via dell’Osservatorio 14, Ercolano), diretto dal dott. Marcello Martini e già sede di altre iniziative Archeoclub, durante la mattinata di domenica 22 aprile, dalle ore 10.00 alle ore 13.30 circa. Il maestro dott. Leopoldo Fontanarosa, violinista e musicologo, farà conoscere ai presenti l’importanza storica ed artistica di Zingarelli (di cui quest’anno ricorre il 260° anniversario dalla nascita). Verranno eseguiti in prima assoluta dei duetti per violino che Zingarelli scrisse per i suoi allievi e che il maestro Fontanarosa eseguirà assieme ai suoi giovani allievi Brunella Gaglione e Davide Maiello. Il pubblico, inoltre, prima del concerto, accompagnati dai ricercatori dell’Istituto, avrà la possibilità di visitare l’importante Museo dell’Osservatorio, dove sono custodite preziose strumentazioni relative alle prime indagini geofisiche. I volontari torresi di Archeoclub e il presidente Michela Tappeto, infine, durante la mattinata saranno lieti di dare delucidazioni ed informazioni sulle numerose attività associative a coloro che lo desiderano.


http://www.archeoclubitaliatdg.eu/anno2012.html

Nicola Antonio Zingarelli: il musicista che sfidò Napoleone.

Sulla facciata rosea di un edificio antico che si erge a Torre del Greco, di fronte alla chiesa di Santa Maria delle Grazie, spicca una piccola lapide bianca. Questa lapide è dedicata a Nicola Antonio Zingarelli, principe dei musicisti, che in quella casa trascorse i suoi ultimi anni di vita, morendovi nel 1837. Grande compositore, maestro di cappella al Duomo di Milano ed in Vaticano era uno dei compositori preferiti da Napoleone, ma oggi, anche tra i musicisti, sono davvero in pochi a serbarne la memoria. In occasione della prima esecuzione mondiale, a Torre del Greco, di due suoi quartetti per archi, mi sembra giusto tracciarne un ricordo. Zingarelli nacque a Napoli il 4 aprile del 1752 da Riccardo Toda Zingarelli e Teresa Ricci. A sette anni rimase orfano e fu ammesso nel Conservatorio di Santa Maria di Loreto. Terminati gli studi fu ospite presso i signori Gargani di Torre Annunziata e si procurò da vivere come insegnante di violino, strumento che non abbandonò mai. In seguito riuscì ad ottenere la protezione della Duchessa di Castelpagano, che molto si impegnò per fargli acquisire fama. A 25 anni iniziò a comporre opere liriche scrivendo il Pigmalione. A 29 anni mise in musica l’opera Montezuma, rappresentata presso al Teatro di San Carlo nel 1781. Dopo questa rappresentazione partì  per Milano dove iniziò a comporre opere serie e buffe in gran numero tra cui l’Asinda, composta in appena sette giorni e rappresentata al Teatro alla Scala nel 1785 e subito dopo compose Giulietta e Romeo, in appena quaranta ore distribuite in dieci giorni, considerata il suo capolavoro. Si trasferì quindi a Parigi, ma, iniziato il periodo rivoluzionario, preferì ritornare presto a Milano. Nel 1792 divenne Maestro di Cappella del Duomo di quella città. Da qui passò nel 1794 a ricoprire lo stesso incarico presso la Santa Casa di Loreto dove rimase per un decennio scrivendo musica sacra. La sua fama crebbe e giunse fino a Napoleone che, durante la campagna d’Italia, si spinse fino a Loreto per poter conoscere il maestro di persona. Nel 1804 fu nominato maestro di Cappella in San Pietro. A Roma si dedicò a metter in musica le più celebri opere poetiche italiane, come alcune stanze del Tasso e dell’Ariosto ed alcuni passi della Divina Commedia di Dante. Qui avvenne uno degli avvenimenti più interessanti della sua vita. La città fu occupata dalle truppe imperiali francesi e gli fu imposto di eseguire la musica dell’Inno Ambrosiano per celebrare la nascita del figlio di Napoleone Bonaparte a cui era stato dato il titolo di Re di Roma. Si preparò tutto in San Pietro e non mancava che il Maestro per dar via all’esecuzione dell’Inno, ma una volta chiamato, Zingarelli si rifiutò di dirigere il concerto sacro dicendo che egli non riconosceva altro sovrano al di fuori del Santo Padre Pio VII, da cui era stato assunto come maestro della Cappella. Fu quindi arrestato e trasportato a Civitavecchia per ordine del prefetto e da qui gli fu intimato di partire alla volta di Parigi per  essere giudicato. Con gran stupore, una volta giunto alla corte parigina, non solo non fu imprigionato, ma l’Imperatore commissionò a Zingarelli una messa da scrivere per la sua Cappella Imperiale che tanto piacque da fruttargli seimila franchi d’oro.

Zingarelli rimase a Parigi per circa un anno, durante il quale Napoleone gli fece assegnare un mensile di duecento franchi. Nel 1812 lasciò la Francia e si fermò in diverse città italiane ma nel 1813, dovendosi nominare il direttore del conservatorio di S.Sebastiano, poi trasferito in S.Pietro a Majella, Gioacchino Murat in persona chiese a Napoleone che tale incarico fosse dato al celebre Zingarelli e così il maestro tornò in Patria.

Nel 1835 iniziarono i problemi di salute con  un attacco di idropisia. A giugno dello stesso anno andò a vivere al Gonfalone, ma il male non gli diede tregua e quindi il 20 settembre dello stesso anno fu condotto a Torre del Greco dove migliorò molto e riprese a comporre. Il primo maggio 1837 fu colto da una malattia allora molto diffusa, detta Grippa. Il 4 mattina fece richiesta del Viatico e recitò il Confiteor. Rimase lucido sino all’ultimo istante sorridendo e dicendo di non sentire alcuna sofferenza. Alle undici antimeridiane del 5 maggio spirò. Il corpo fu trasferito a Napoli e trasportato in Conservatorio dove fu allestita la camera ardente. Il corpo fu poi sepolto nella chiesa di S.Domenico Maggiore a Napoli. L’elogio funebre fu recitato dal suo caro amico, il marchese Basilio Puoti e gli fu dedicata uno splendido monumento collocato all’ingresso sud della basilica. La musica per la messa da requiem eseguita per i suoi funerali fu quella che egli stesso scrisse in vista della sua morte e fu eseguita dai suoi allievi.

Per le sue opere fu gratificato in vita con diverse onorificenze. Il re di Sassonia, in data 26 gennaio 1835, lo premiò con una lettera onorifica di ringraziamento ed il dono di una scatola d’ora per aver composto una messa. Francesco I re di Napoli lo insignì della Croce di Cavaliere del suo Ordine.  Fu socio Ordinario dell’Accademia Reale di Belle Arti ed onorario della Pontaniana. Membro ordinario della IV classe dell’ Accademia delle Belle arti di Francia. Corrispondente del Conservatorio Imperiale di Musica di Parigi. L’accademia di belle arti di Berlino gli spedì un diploma, che gli giunse quando già era spirato.

A Torre del Greco scrisse una cantata per grande orchestra datata 1837, il salmo Laudate Dominum in Sanctis Eius, solfeggi,  Inni Sacri e la celebre messa da requiem. La sua ultima composizione fu un Tantum Ergo composto il 28 aprile sul quale, forse sentendo la morte vicina, segnò gli anni di vita. Tutti questi capolavori, molti dei quali inediti e mai eseguiti, attendono di essere riportati alla luce nella Biblioteca del Conservatorio di Napoli e qualche mecenate che voglia adottarli, rendendone possibile l’esecuzione.

Leopoldo Fontanarosa